Le opere italiane più importanti a Parigi

Perché molte opere italiane si trovano a Parigi: le spoliazioni napoleoniche

“Il Louvre dovrebbe restituire le opere depredate” ha dichiarato Alberto Angela in un’intervista rilasciata al Fatto Quotidiano qualche anno fa, riferendosi alle spoliazioni perpetrate da Napoleone Bonaparte durante le campagne d’Italia tra il 1796 e il 1814. Consapevole che il valore di una nazione si fonda sulla propria eredità artistica, durante le sue conquiste in tutta Europa Napoleone fece incetta delle opere più importanti presenti nei vari Paesi invasi. E l’Italia, con le sue opere classiche, medievali e rinascimentali, ne costituì la fonte più preziosa. Napoleone affidò a una commissione l’incarico di individuare le opere da requisire e da portare a Parigi, facendo diventare con il tempo il Louvre (convertito nel 1793 da vecchio palazzo reale a Museo Centrale delle Arti della Repubblica) il museo più famoso al mondo.

Dopo la caduta di Napoleone e il congresso di Vienna del 1815, lo Stato pontificio e molte amministrazioni locali italiane chiesero la restituzione delle opere sottratte (circa 506 dipinti, comprendenti opere di artisti italiani e di artisti stranieri presenti in Italia). Antonio Canova, scultore già famoso e apprezzato presso tutte le corti europee dell’epoca, venne nominato da Pio VII Commissario straordinario per il recupero delle opere. Tuttavia solo una parte dei dipinti fu restituita, e con molta fatica, poiché oltre alle opere confiscate direttamente dalle armate francesi durante le campagne napoleoniche, tante altre erano state formalmente acquistate dalla Francia attraverso veri e propri trattati stipulati con gli Stati sconfitti.

L’inventario di Napoleone e il tesoro italiano del Louvre

Ma i dipinti sottratti durante le campagne napoleoniche rappresentano soltanto una piccola parte delle opere italiane conservate al “Musée Napoléon” (il nome dato al Louvre tra il 1803 e il 1815), e di queste, soltanto una minoranza vi è rimasta, mentre le altre sono state spostate in altri musei. L’Inventaire Napoléon (l’inventario delle opere del Louvre redatto tra il 1810 e il 1813 sotto la direzione di Dominique-Vivant Denon) registra circa 1.140 dipinti italiani: alcuni erano stati acquisiti ben prima delle campagne napoleoniche, altri donati o lasciati in eredità alla corona, altri ancora derivano da antiche collezioni francesi. L’esempio più importante (che fa molto male agli italiani) è La Gioconda di Leonardo Da Vinci. A differenza di quello che si pensa, infatti, fu lo stesso Da Vinci a portare il dipinto in Francia nel 1516, quando soggiornò alla corte di Francesco I. In questo contesto, l’inventario di Napoleone è un documento prezioso che ci permette di ricostruire la storia di tutte le opere degli artisti italiani (quando e come sono arrivate in Francia, e dove sono state spostate). Delle 1.140 opere italiane presenti nel museo del Louvre, soltanto 515 sono state restituite. Di quelle rimaste, alcune sono state lasciate al Louvre, altre sono state spostate negli altri musei della capitale oppure finite nei musei francesi di provincia.

Le collezioni italiane mai entrate al Louvre

Il “tesoro italiano” a Parigi non si limita soltanto al Louvre. Infatti gli altri musei della capitale sono pieni di opere italiane che non sono mai passate dal museo più famoso al mondo. Per esempio le collezioni del Musée Jacquemart-André sono nate soprattutto dal collezionismo privato della famiglia André e sono arrivate a Parigi molto dopo Napoleone. Il Petit Palais accoglie una collezione rinascimentale che deriva in larga parte dal legato dei fratelli Dutuit e, successivamente, da altre donazioni e acquisizioni. Anche il Musée d’Orsay possiede opere di artisti italiani che sono entrate direttamente nelle sue collezioni, soprattutto per il periodo tra fine Ottocento e inizio Novecento. Per non parlare del fatto che le confische militari, le donazioni e i legati hanno riguardato anche sculture, disegni, manoscritti, reperti archeologici e oggetti di arti decorative.

Il patrimonio italiano conservato oggi nei musei parigini è quindi molto più vasto di quello che potrebbe suggerire il solo elenco dei dipinti italiani del Louvre. Ricostruirlo integralmente sarebbe un’operazione molto complessa. In questo articolo ci concentreremo quindi su una selezione dei capolavori più importanti, indicando per ciascuno il museo in cui è conservato.

I capolavori italiani nei musei di Parigi

Ora che abbiamo capito perché ci sono così tante opere di artisti italiani a Parigi, è arrivato il momento di scoprire quali sono le più importanti, partendo dal museo più famoso al mondo.

Musée du Louvre

• La Gioconda – Leonardo Da Vinci (1503-1506, olio su tavola di pioppo)

Fonte foto: Adobe.stock.com

Probabilmente l’opera più enigmatica e famosa al mondo, secondo la tesi più accreditata la donna del dipinto sarebbe Lisa Gherardini, moglie di Francesco del Giocondo, dal quale prende appunto il nome “La Gioconda”. La donna è conosciuta anche come “Monna Lisa”, un diminutivo di “Madonna” derivante dalla parola latina Mea domina (mia signora). Leonardo avrebbe realizzato l’opera durante il suo terzo soggiorno fiorentino nella casa di proprietà della corporazione dell’Arte dei Mercatanti appartenenti proprio alla famiglia Gherardini. Tuttavia negli ultimi anni sono state accreditate altre tesi sull’identità della donna, secondo le quali si tratterebbe di Isabella d’Este, nobile, mecenate e collezionista d’arte italiana. All’epoca Leonardo era il pittore di corte della sorella Beatrice D’Este nel ducato di Milano, e nel 1499 fuggì presso la corte di Isabella d’Este dopo l’espulsione degli Sforza, dai quali era stato assunto come pittore. Nell’arco di tre mesi, Leonardo realizzò diversi disegni di Isabella. Uno di questi, il disegno di profilo, è conservato al Louvre e presenta varie somiglianze con la Gioconda.

Nel 1516 Leonardo portò il dipinto in Francia, ma non si sa con certezze se l’avesse venduto al re Francesco I oppure l’avesse dato in regalo come segno di riconoscenza per averlo ospitato alla sua corte. A partire dal 1542 l’opera si trovava nel castello di Fontainebleau. Nel 1685 Luigi XIV fece trasferire il dipinto a Versailles e solo dopo la rivoluzione francese, nel 1797, venne spostato al Louvre. Nel 1800 Napoleone Bonaparte lo fece mettere nella sua camera da letto, ma nel 1804 tornò al Louvre. Durante la guerra Franco-Prussiana fu messo al riparo in un sito nascosto. Nel 1911 la Gioconda venne rubata da Vincenzo Peruggia (vedi video), convinto che il dipinto appartenesse all’Italia e fosse stato sottratto da Napoleone.

• Gli Schiavi di Michelangelo

Fonte foto: brundarte.it

All’entrata della galleria di Michelangelo al Louvre si possono ammirare lo Schiavo morente e lo Schiavo ribelle, destinati inizialmente a decorare il monumento funebre di Papa Giulio II. Michelangelo dedicò molti anni a questo progetto, ma le due sculture non furono mai inserite nel monumento. Alla fine infatti le donò a Roberto Strozzi, e poi successivamente vennero donate al re di Francia. Il loro significato non è del tutto chiaro e nel corso del tempo sono state avanzate diverse interpretazioni: potrebbero alludere ai popoli sottomessi dal pontefice, alle arti oppure alla lotta dell’anima contro i vincoli del corpo e delle passioni. Per molto tempo gli schiavi hanno fatto parte di tante collezioni e hanno raggiunto il Louvre solo nel 1794, dopo essere state confiscate durante la Rivoluzione. Nella galleria, alle loro spalle, si trova inoltre un monumentale portale cinquecentesco decorato con le figure di Ercole e Perseo, proveniente dal Palazzo Stanga di Castelnuovo a Cremona.

• Amore e Psiche di Antonio Canova

Fonte foto: venetosecrets

Si tratta di una delle più celebri versioni di Canova, realizzata in marmo in stile neoclassico tra il 1787 e il 1793, ispirandosi alla favola narrata da Apuleio nelle Metamorfosi.. Canova rappresenta il momento in cui Amore risveglia Psiche con un bacio, salvandola dalla morte. I due corpi vengono modellati in modo tale da creare, insieme alle ali, due archi che si incrociano formando una X. Secondo l’interpretazione del Louvre, attraverso questo mito, lo scultore rappresenta simbolicamente l’arte, incarnata da Amore, che eleva l’anima («psiche» in greco) fino all’immortalità.

• San Giorgio e il drago – Raffaello Sanzio (1505, olio su tavola)

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L’opera è stata realizzata da Raffaello Sanzio quando era ancora molto giovane e si trovava a Firenze. Il dipinto mostra la scena di una leggenda cristiana, la quale sembra a sua volta essere una delle tante rivisitazioni di una leggenda più antica. Nel dipinto San Giorgio sta affrontando il drago per salvare una principessa. Secondo la tradizione, il drago terrorizzava gli abitanti di un villaggio in Cappadocia o in Libia (il luogo, così come il santo protagonista variano a seconda della versione) chiedendo loro tributi. Quando gli abitanti ebbero finito il bestiame e tutte le altre risorse, iniziarono a offrirgli sacrifici umani una volta all’anno. Quando venne scelta una principessa,  il santo decise di intervenire per salvarla. Il dipinto fu probabilmente realizzato per Guidobaldo da Montefeltro, duca di Urbino, ed entrò nelle collezioni reali francesi già nel XVI secolo. Interessante è l’equilibrio che Raffaello riesce a dare al dipinto, mescolando la violenza dell’azione all’eleganza del cavaliere mentre sta per sferrare il colpo decisivo al drago.

• La Vergine delle rocce – Leonardo da Vinci (1483 – 1486, olio su tavola)

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Esistono due versioni della vergine delle rocce, una conservata al National Gallery di Londra e l’altra, probabilmente più antica, al Louvre, realizzata a Milano per la Confraternita dell’Immacolata Concezione e destinata alla cappella della chiesa di San Francesco Grande. Nel dipinto la Vergine è collocata all’interno di una misteriosa grotta, piena di rocce, piante e acqua. I contorni delle figure vengono progressivamente sfumati, creando un’atmosfera sospesa e quasi irreale. Dopo una lunga disputa con la Confraternita dell’Immacolata Concezione a Milano, Leonardo tenne con sé la prima versione del dipinto. Successivamente il dipinto entrò nelle collezioni di Ludovico il Moro tramite una vendita privata o una cessione da parte di Leonardo da Vinci. L’opera arrivò poi nelle collezioni reali francesi già nel XVI secolo, ma non è ben chiaro come e perché. Secondo gli storici del Louvre, l’opera arrivò in Francia durante le campagne e l’occupazione del Ducato di Milano da parte delle truppe di Luigi XII (tra il 1499 e il 1512). Il re potrebbe averla ricevuta o acquisita direttamente dalle collezioni di Ludovico il Moro.

• Le nozze di Cana – Paolo Veronese (1562-1563, olio su tela)

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Una volta arrivati nella Salle des États (sala degli Stati) e ammirata la Gioconda, probabilmente la vostra attenzione verrà subito catturata dall’immenso dipinto affisso alla parete di fronte, una gigantesca celebrazione della pittura veneziana del Cinquecento. Le Nozze di Cana, realizzato da Veronese per il monastero benedettino di San Giorgio Maggiore a Venezia, fu requisito durante le campagne napoleoniche nel 1797, ma al momento della restituzione, ci furono molti problemi per il trasporto dell’opera a Venezia perché era troppo grande (10 metri di larghezza per quasi 7 metri di altezza) e delicata. Alla fine rimase al Louvre grazie a un accordo ottenuto da Dominique-Vivant Denon, che inviò in cambio la Cena in casa di Simone il fariseo con la Maddalena che lava i piedi a Cristo di Charles Le Brun, oggi alla Galleria dell’Accademia. La scena rappresenta il miracolo delle nozze di Cana, durante le quali Cristo trasforma l’acqua in vino. Ma Veronese converte il racconto biblico in una gigantesca festa veneziana, popolata da oltre un centinaio di personaggi, tra i quali si trovano Veronese stesso, Tiziano, Tintoretto e altri artisti veneziani, rappresentati come musicisti.

• La morte della Vergine – Caravaggio (1601-1606, olio su tela)

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Una delle opere più importanti di Caravaggio, il dipinto fu commissionato da Laerzio Cherubini per la cappella di famiglia nella chiesa di Santa Maria della Scala a Roma. Quando Caravaggio lo terminò, l’opera fu però rifiutata dai religiosi a causa del modo estremamente crudo e realistico con cui Caravaggio rappresentò la Vergine morta come una donna comune. Nonostante questo rifiuto, l’opera riscosse comunque molto successo e venne acquistata dal duca di Mantova, Ferdinando Gonzaga, poi da Carlo I d’Inghilterra e infine dal banchiere parigino Everhard Jabach. Nel 1671 fu acquistata da Luigi XIV ed entrò quindi nelle collezioni reali francesi.

• Sant’Anna, la Vergine e il Bambino con l’agnellino – Leonardo da Vinci (1503-1519, olio su tavola di pioppo)

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Leonardo impiegò più di quindici anni per realizzare quest’opera (a Firenze), e probabilmente alla sua morte rimase incompiuta in alcuni punti. La scena mostra sant’Anna e Maria insieme al Bambino Gesù che afferra un agnello, mentre Maria cerca di trattenerlo. Secondo il Louvre, l’agnello rappresenterebbe il simbolo del sacrificio futuro di Cristo. Di quest’opera restano anche diverse bozze, lasciando pensare che Da Vinci avesse elaborato varie composizioni dello stesso soggetto. Leonardo conservò il dipinto fino alla morte e il Louvre ritiene molto probabile che Francesco I lo abbia acquistato nel 1518, quindi quando Leonardo era ancora vivo.

• Ritratto di Baldassarre Castiglione – Raffaello (1514-1515, olio su tela)

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Una delle migliori rappresentazioni della ritrattistica rinascimentale, il personaggio dipinto è Baldassare Castiglione, diplomatico, scrittore e autore del Libro del Cortegiano. Raffaello raffigura l’uomo vestito in modo semplice su uno sfondo neutro, permettendo allo spettatore di concentrare tutta l’attenzione sul volto. Gli esperti del Louvre sostengono che il dipinto ebbe un’enorme influenza sugli artisti francesi dei secoli successivi. Eugène Delacroix, per esempio, realizzò nel 1818-1820 uno studio ispirato proprio al ritratto di Castiglione di Raffaello conservato al Louvre. Questo dipinto rappresenta quindi l’influenza che l’arte italiana rinacsimetale ha avuto sulla pittura francese. Il ritratto passò attraverso diverse collezioni italiane ed europee: il mercante d’arte olandese Lucas van Uffelen lo acquistò quando l’opera entrò sul mercato antiquario nel XVII secolo. Alla sua morte, nel 1639, la collezione fu messa all’asta ad Amsterdam e il dipinto acquistato da Alfonso Lope. Successivamente arrivò nella collezione del cardinale Mazzarino a Parigi. Alla morte del cardinale, l’opera passò nelle collezioni di Luigi XIV (il Re Sole), entrando così a far parte del patrimonio statale francese e trovando infine collocazione al Musée du Louvre di Parigi.

• La Belle Jardinière – Raffaello (1507, olio su tavola di pioppo)

Fonte foto: Wikipedia

Il titolo originale è La Vergine col Bambino e il piccolo san Giovanni Battista, solo successivamente soprannominata “La Belle Jardinière”. Maria si trova seduta in un paesaggio rurale mentre tiene Gesù bambino. Accanto a loro compare anche il piccolo Giovanni Battista. L’opera riscosse grande successo e venne replicata attraverso diverse versioni. Il dipinto fu commissionato dal nobile senese Filippo Sergardi nel 1507, ma Raffaello lasciò il quadro parzialmente incompiuto quando partì per Roma l’anno dopo, e l’incarico di portare a termine il lavoro fu affidato a Ridolfo del Ghirlandaio. L’opera finì in Toscana dove venne notata e comprata da Francesco I, che la portò alla sua corte in Francia.

• San Giovanni Battista – Leonardo da Vinci (circa 1508-1519, olio su tavola di noce)

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In questo dipinto sembra che il santo appaia quasi all’improvviso dal buio, mostrando un leggero sorriso e un’espressione volutamente ambigua ed estremamente enigmatica. Quest’opera rappresenta con ogni probabilità una delle nuove sperimentazioni di Da Vinci, che cerca di ottenere effetti di luce più morbidi in contrasto con il buio. Leonardo conservò il dipinto fino alla morte, e il Louvre ritiene molto probabile che Francesco I l’abbia acquisito nel 1518; l’opera uscì poi temporaneamente dalle collezioni reali per tornare in quella di Luigi XIV nel 1662. Le fonti riportano che l’opera fosse esposta al Louvre già nel 1801.

• Il Condottiero – Antonello da Messina (1475, olio su tavola)

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La particolarità di questo dipinto è la prospettiva: il personaggio (la cui identità non è certa), si presenta posizionato di tre quarti su uno sfondo scuro e guarda direttamente lo spettatore, mostrando un volto curato nei minimi dettagli, con rughe ben delineate e una cicatrice sul labbro superiore. L’opera è entrata nel museo del Louvre nel 1865, proveniente dalla collezione Pourtalès Gorgier.

Musée Jacquemart-André 

• Ecce homo – Andrea Mantegna (1500 circa, tempera a colla e oro su tela)

Fonte foto: Wikipedia

Nell’Ecce Homo Mantegna rappresenta Gesù nel momento in cui, dopo essere stato flagellato, viene mostrato al popolo che ne invoca la crocifissione. Intorno a lui ci sono cinque accusatori. I cartigli in alto indicano le parole che questi pronunciano riferendosi a Gesù. “Crocifiggilo, prendilo, crocifiggilo”. L’uomo in primo piano a sinistra riporta sulla fronte un foglio con un testo in una lingua simile all’ebraico, mentre la persona a destra è priva di denti. Entrambi vengono rappresentati di tre quarti in posizione simmetrica mentre trattengono Gesù per le spalle. Lo stile con il quale vengono dipinti viene accostato da diverse fonti al realismo fiammingo. Ancora oggi non si sa con certezza chi commissionò questo dipinto e come arrivò nella collezione Gambassini di Milano. L’opera fu poi acquistata nel 1891 probabilmente tramite l’intermediazione del mercante d’arte fiorentino Vincenzo Ciampolini ed entrò a far parte della dimora parigina dei coniugi André sul Boulevard Haussmann. Alla morte di Nélie Jacquemart, la collezione e la residenza furono donate all’Institut de France, e il dipinto venne trasferito poi nel celebre Musée Jacquemart-André dove l’opera è tuttora conservata.

• La Madonna col Bambino – Sandro Botticelli (1470, tempera su tavola)

Fonte foto: Wikipedia

Un esempio raffinatissimo della pittura fiorentina del Quattrocento. Gli esperti del museo Jacquemart-André sostengono che quando Nélie Jacquemart acquistò l’opera a Firenze credeva di aver comprato un dipinto di Andrea Verrocchio, il grande maestro della bottega che governava la Repubblica delle Arti a Firenze intorno al 1470. Ma dopo vari studi sulle varie vesrioni della vergine con il bambino, è stato provato che in realtà fu Sandro Botticelli a realizzare questo dipinto ispirandosi al suo maestro.

• La Vergine col Bambino sul trono – Giovanni Bellini (1510, olio su tavola)

Fonte foto: musée Jacquemart-André

Influenzato dallo stile del cognato Mantegna, dall’arte ieratica bizantina e dalla tecnica a olio degli artisti fiamminghi (conosciuta grazie all’artista siciliano Antonello da Messina), Giovanni Bellini consacra la sua attività artistica nella realizzazione di diverse versioni della Vergine con il bambino. Ne è stata la testimonianza una mostra del 2023 al museo Jacquemart-André che ha ospitato tutti i suoi capolavori. La Vergine col Bambino rimasta in questo museo mostra le innovazioni che Bellini ha apportato (grazie agli insegnamenti del padre e della scuola veneziana) a tutte le correnti culturali da cui si era fatto influenzare. Si appropria della tecnica a olio fiamminga, adotta i caratteri greci e i gesti codificati della pittura orientale, ma dona ai soggetti delle sue opere una modernità che si allontana dai volti ieratici delle icone bizantine caratterizzate da uno sfondo sempre dorato, per dare alla Vergine e a Gesù volti umani, intrisi di dolcezza e tenerezza tipiche della spiritualità della scuola veneziana. Se si osserva la struttura del trono su cui siede la vergine e la posizione perpendicolare del drappeggio, si nota che essi formano una croce. Il dipinto si presenta consumato in molti punti (nel cielo, nel paesaggio e nell’abito rosso), forse a causa di un’eccessiva pulizia. Probabilmente una commissione del Senato veneziano chiese a Bellini la realizzazione dell’opera affinché la inviasse in dono alla sorella di Francesco I, in Francia. Tuttavia il dipinto rimase in un museo a Venezia, fino a quando non fu acquistato da Nélie Jacquemart senza inizialmente conoscerne l’autore. Fu attribuito a Bellini soltanto negli anni ’30.

Petit Palais

• Vergine con il Bambino – Giovanni Battista Cima da Conegliano (pittura a olio, 1500 circa)

Fonte foto: museescollectionsparis

È entrata nelle collezioni del Petit Palais con la donazione Edward Tuck e Julia Stell del 1921. Si tratta di una rappresentazione molto diffusa del 1500, ma trattata da Giovanni Battista Cima e da altri artisti italiani in modo innovativo per la Venezia dell’epoca. Le Madonne veneziane infatti (soprattutto dopo la caduta dell’impero bizantino a opera degli ottomani e della conseguente emigrazione verso Venezia) erano tradizionalmente dipinte su sfondo dorato per santificarle come icone sul modello della tradizione orientale. Ma i pittori veneziani della fine del XV secolo, ispirati ai modelli toscani, preferirono rappresentare le vergini in ambienti naturali.  Gli esperti del Petit Palais ipotizzano che Giovanni Battista Cima da Conegliano avesse raffigurato la Vergine all’aria aperta con l’intento di evocare un paesaggio tipico delle colline friulane da cui proveniva. I corpi della vergine e del bambino sono ammantati da una dolce e morbida luce del tardo pomeriggio, mentre Gesù cerca con la piccola mano di accarezzare la guancia di Maria. Questa immagine calda si concilia perfettamente con i colori freddi e cristallini dei vestiti, una delle caratteristiche tipiche  della pittura veneziana.

• Modello per la pala di Santa Cecilia – Raffaello Sanzio detto Raffaello (Pietra nera, inchiostro marrone, lavaggio dell’inchiostro e top bianchi su carta, 1514 circa)

Fonte foto: Musées Collections Paris

Quest’opera era stata in origine attribuita a Giovanni Francesco Penni, uno studente di Raffaello. San Paolo, San Giovanni, Sant’Agostino e Maria Maddalena circondano Santa Cecilia: viene considerata probabilmente la prima idea di Raffaello per l’estasi mistica di Santa Cecilia conservata presso la Pinacoteca Nazionale di Bologna.

Musée d’Orsay

• Scena della festa / Scène de fête au Moulin Rouge – Giovanni Boldini (olio su tela, 1889 circa)

Fonte foto: Musée d'Orsay

L’opera è entrata nelle collezioni del Musée d’Orsay nel 2010 attraverso una dation (un’opera ceduta allo Stato francese nell’ambito di un meccanismo fiscale). Il museo la presenta esplicitamente come parte del proprio omaggio all’Italia. Boldini, trasferitosi definitivamente a Parigi nel 1871, in questo dipinto rappresenta il Moulin-Rouge poco dopo la sua apertura nel 1889, che divenne rapidamente uno dei punti nevralgici della vita notturna parigina. “L’intensità del rosso, in contrasto con il colore nero degli abiti, dà risalto allo spirito di festa e alla libertà dei costumi nel contesto in cui i soggetti agiscono, in un’atmosfera quasi avulsa dal tempo” spiegano gli esperti del musée d’Orsay. Prima del suo arrivo nel 2010, il dipinto, all’epoca ancora incompiuto, era stato esposto pubblicamente solo una volta nel 1933 a New York. Poi finì nella collezione Maurice de Rothschild e nel 1957 entrò nella collezione del barone Edmond de Rothschild.

• Le mille e una notte – Vittorio Zecchin (olio su tela, 1914 circa)

Fonte foto: Musée d'Orsay

• Aetas Aurea – Medardo Rosso

Fonte foto: Pinterest

• Opere anonime sull’Italia

Una storia molto più complessa e affascinante

La storia del lungo viaggio che ha portato le opere italiane a Parigi dimostra che la presenza dell’arte italiana nella capitale francese è il risultato di rapporti culturali e umani fatti di restituzioni, collezionismo, donazioni e acquisizioni che per secoli hanno unito Italia e Francia, e non soltanto di vicende che riguardano eserciti e lotte tra Stati. Non tutte le opere arrivarono in Francia con Napoleone e non tutte quelle sottratte durante le campagne napoleoniche si trovano oggi al Louvre. Ma il loro insieme (di cui abbiamo raccontato soltanto una minuscola parte in questo articolo) mostra ancora oggi lo straordinario ruolo che l’arte italiana ha avuto nella storia culturale della Francia.

Giovanni Soriente

Mi sono laureato in Giurisprudenza all’Università degli Studi di Napoli \”Federico II\” e in seguito ho realizzato varie esperienze di studio e di lavoro all’estero (Egitto, Francia, Spagna). Tornato in italia, ho inizato a specializzarmi nel settore della scrittura e dell’editoria. Nel 2020 mi sono trasferito a Parigi, dove ho collaborato per un breve periodo con la casa editrice Italo Avevo Editore in qualità di Responsabile di progetti di coedizione internazionale, occupandomi di curare i rapporti con alcune case editrici francesi e di altri paesi europei ed extraeuropei. Tra il 2020 e il 2022 ho scritto per Hermes Magazine, di cui sono stato anche responsabile della sezione libri. Dopo alcune brevi esperienze nella realizzazione di progetti di cortometraggio, nel 2026 sono tornato a scrivere con grande piacere per Hermes.